Porcupine Tree

Durante la etapa formada por Stupid Dream (1999) y Lightbulb Sun (2000), discos caracterizados por un giro musical hacia el formato canción y una disminución del espacio dedicado a los desarrollos instrumentales, la producción de material extra se editó en la forma de numerosos discos singles, muchas veces con dos o tres versiones en este formato para cada uno, con distintos contenidos, transformándose en una tarea ardua, y especialmente cara el poder reunir todo el material editado.

Supliendo en algo esta situación se edita en 2001 Recordings, una edición limitada de 20000 copias que incluye una selección de caras B de los singles de estos discos, junto a algunas nuevas composiciones. No teniendo un afán enciclopédico, instrumentales como Novak u Orchidia son descartados y así permancerán como items de colección. Más bien, lo preferido aquí fue destacar que se trata de un conjunto de temas en que la no inclusión en álbumes previos no se debió a razones de calidad.

Recordings abre con Buying New Soul, composición de 10 minutos basada en la improvisación “untitled” (curiosamente también incluída en la compilación), que destaca en su desarrollo minimalista, con abundantes sonidos acústicos y secciones instrumentales en que se alternan intensidad eléctrica y segmentos atmosféricos.

El formato canción desarrollado en los discos previos se encuentra en temas como In Formaldehyde, melancólico y con un bello solo de guitarra final y en Disappear, rockero con una base acústica. Ambos podrían haber estado sin lugar a dudas en Lightbulb Sun. En tanto, el atípico Access Denied es un beatlesco familiar de Piano Lessons, mucho más animado de lo que es la norma para Porcupine Tree.

La veta progresiva, en tanto, surge en temas como Ambulance Chasing, instrumental con percusiones tribales y teclados muy inspirados que dan paso a un extenso solo de saxo a cargo del maestro Theo Travis. Momentos más atmosféricos se aprecian en el reposado Oceans Have no Memory y en A Cure for Optimism, un tema acústico delicadamente triste, que no habría estado fuera de lugar en Signify.

Ya llegando al cierre Recordings nos entrega una de las más grandes joyas: La versión completa de Even Less, editada en Stupid Dream por haber sido considerada demasiado progresiva comparada al resto del material del disco. En este trabajo en cambio está permitida la autoindulgencia y es así como se duplica en duración esta composición, incluyendo una extensa y furiosa sección instrumental.

El balance final de este compilatorio es altamente positivo, siendo una grata sorpresa encontrar un nivel tan homogéneo en calidad en un disco de “descartes”. Es interesante el hecho de que varios temas recuerden más a los discos anteriores a Stupid Dream, siendo muy probable que solo fueran descartados, tal como es el caso de la segunda parte de Even Less, por alejarse del estilo más conciso que buscaban por entonces.

Afortunadamente en forma reciente Recordings ha sido reeditado en CD y vinilo (en edición audiofila de 2000 copias), ambos disponibles en Burning Shed. Altamente recomendado, si bien lógicamente carezca de la cohesión que caracteriza a otros trabajos de Porcupine Tree.

 He sido fan de eso que llaman rock progresivo toda mi vida, o al menos desde los 13 o 14 años, y mi gusto por este tan impopular estilo se debe única y exclusivamente a Genesis, de cuando en 1992 compré mis primeros cassettes y entre ellos estaba uno llamado We Can’t Dance (los otros siendo Reggatta de Blanc de The Police y Greatest Hits de Queen: de Police sigo siendo un gran fan, de Queen aprendí a valorarlos en su justa medida). A los 12 años mis gustos musicales no tenían definición alguna, no tenía ninguna capacidad de definir qué canción era de Phil Collins y cuál era de Genesis, y para mis efectos el grupo era el de las canciones y videos divertidos. Pero empecé a escuchar ese cassette y de pronto me fui dando cuenta de que Genesis era bastante más que canciones para reirse, que era un grupo más bien serio.

Así pasó un poco de tiempo, no se bien cuánto, hasta que un día iba con mi papá fuera de Santiago y me di cuenta que cierta canción estaba siendo la banda sonora de un trayecto más bien largo. La canción era Fading Lights, el magnífico cierre del disco, y en cuanto llegué a casa la cronometré: 10 minutos 15 segundos. No podía creerlo, ¿podía acaso durar una canción tanto? Comencé a prestarle más atención al resto de los temas. Había un segundo tema de más de 10 minutos (uno que por un buen tiempo confié en que su traducción efectivamente era “tomando la última curva” tal y como decía mi cassette, y no “clavando el último clavo”), y un tercero de 7. Luego me fui poniendo maniático, cuando me fui dando cuenta de que en ocasiones habían segmentos instrumentales extensos, como el de la mentada Fading Lights, o el de la más breve Living Forever. Y todo ello me fascinaba en la medida que descubría que estaba ante algo completamente distinto a todo lo que antes podría haber escuchado antes.

En resumidas cuentas, estábamos ante el nacimiento de un fan de Genesis. Y todo fanatismo tiene cierta dosis de adicción, y necesitaba saciar una sed.

 Por supuesto, si esto hubiese pasado en 2010 si hubiese querido más era fácil. Hubiera bastado con entrar a google, tipear “genesis discography torrent” y mi programa de torrents habría hecho el resto del trabajo durante una noche o quizás parte de la mañana siguiente. Pero esos eran tiempos distintos, tiempos en que el acceso a la información era mucho más dificultosa y fragmentada. Con internet en forma masiva al menos en Chile aún en pañales, básicamente para avanzar en mis conocimientos del grupo tenía que optar por la suposición, por el azar, y luego, por mi gran guía, la revista Rock Clásico de Genesis (¿se llamaba así?), una edición nacional de biografías extendidas de bandas acompañadas de cancioneros, todo con fotografías y recortes entre psicodélicos y hippies. Y por supuesto, de los especiales de radio, que grababa religiosamente.

 Alguien ya me había dicho que tuviera cuidado con los discos más antiguos del grupo, pues eran un poco raros, así que avancé con cautela, comprando de a poco la discografía, haciendo calzar las piezas. Un día en radio Viva (97.7, del adulto joven), tocaron The Lamb Lies Down on Broadway. Lo grabé (en un cassette de 90min, ya sabía que era un disco doble), lo escuché una y otra vez, y no logré digerirlo más allá de In the Cage. Un buen signo fue que encontré interesante ese experimento -lejos lo más extraño que hasta ese entonces había escuchado en mi vida- llamado The Waiting Room, pero como un todo era demasiado, y decidí que al menos por un tiempo me enfocaría en cosas no tan antiguas, y de hecho (Tony Banks, perdóname), llegó el momento en que borré la cinta.

Finalmente todas las cosas llegan en el momento adecuado y es así como mi amor por el Genesis más clásico se generó a través de The Musical Box, como ya antes he escrito. De ahí a fascinarme incluso con ese rechazado The Lamb no pasó tanto tiempo, y de hecho contiene muchas de mis momentos favoritos, como el que alguna vez documenté también por aquí.

 Recuerdo con tremenda nostalgia esos tiempos -cuando ya tenía CD player, un minicomponente Kioto harto rasca, he de decir- en que mis ahorros se iban destinados a juntar cada peso para ir comprando, mes a mes, un nuevo disco del grupo, ya sea en reemplazo de un cassette o uno completamente desconocido. Y justo ahí estaban los Definitive Edition Remaster, a las que les habían sacado un poco de polvo, y como por ahí leía, en algunos casos las diferencias eran notables.

 Con justa razón mis compañeros de colegio me deben haber tenido en algún momento como el nerd. Obvio, el mateo del curso, el que no jugaba a la pelota, y el que tenía un cuaderno en el que se quedaba cada recreo traduciendo las canciones de su banda favorita. Pero es gracias a esas traducciones (y no a haber acudido a un colegio llamado “Colegio Inglaterra”) que me manejo algo en inglés.

 Pasaron los años, me compré todo posible boxset, seguí, al menos parcialmente, carreras paralelas de los músicos y ex músicos, tuve un sitio web dedicado a la banda (nada de 2.0, por cierto, pero que fue un pequeño orgullo), fui de los que vio como una oportunidad más que una catástrofe la salida de Phil Collins y el lanzamiento de Calling All Stations en 1997 con Ray Wilson como vocalista, y también vi con tristeza como preferían abandonar el barco tras los resultados poco satisfactorios en ventas de ese álbum.

 Seguí atento a todo posible rumor de reunión de la banda no sin cierto grado de amargura. Después de todo, Genesis siempre había sido una banda que se preocupaba de mirar hacia adelante, aún cuando la crítica (o los fans) los trataran de vendidos. El mirar adelante para mi había terminado cuando decidieron no hacer un segundo disco, con Ray Wilson, y quizás involucrando a otros músicos. Traer nueva sangre, decirle no al desgaste.

El camino decido fue otro, y finalmente en 2007 se oficializó una gira por Europa y Norteamérica. Y ahí estuve. Cómo no iba a estarlo, estaba claro que era mi única chance de verlos. Compré tickets primero para Inglaterra (en una locura de preventa, un día a las 7AM, con un sitio de ticketmaster colapsando, y cada vez que intentaba una vez más viendo cómo quedaba más y más lejos del escenario), pero la logística no me acompañó. Pero si que pude para las fechas de Norteamérica, y Philadelphia coincidía perfectamente con los feriados de fiestas patrias chilenas. Y lo hice: los vi en vivo, en una gira fantástica, con una puesta en vivo apoteósica, un set de temas que buscó hacer feliz a todos por igual lográndolo de buena forma. Por supuesto que compré el CD del show de esa noche, pero rara vez lo he escuchado. La magia fueron esas dos horas y media. Una grabación es una visión demasiado parcial.

Han pasado casi tres años desde ese recital y desde entonces por supuesto que han salido nuevas y lujosas reediciones (que por supuesto he comprado y comentado por aquí), pero con el paso de los años las cosas van cambiando. Desde haber escuchado sólo Genesis, a haberme hecho un fan acérrimo del rock progresivo, de pronto fui descubriendo otras cosas tanto o más cautivantes a mis oídos, y entonces a darme cuenta que las categorías en la música son una soberana estupidez. Genesis sigue ahi, pero ahora es distinto. De ellos querré tener cada material editado, leeré cada entrevista que pueda, seguiré perfeccionando mi conocimiento (a veces tendiente a lo enciclopédico) de la historia de la banda, pero hace mucho tiempo que no son mi banda más escuchada, como tampoco lo son ni King Crimson, ni Yes, ni Rush, ni Pink Floyd. Ahí si que están Marillion (etapa Hogarth), Porcupine Tree, No-man, Nick Drake, Radiohead, Anja Garbarek, Tortoise, Kevin Johansen, Jorge Drexler, La Desooorden, Congreso, Air, Massive Attack. Música abierta a explorar, músicos que no se quedan tranquilos, músicos que es imposible meterlos a todos en un mismo saco.

Y es así como cuando si antes me preguntaban ¿qué música escuchas? yo tenía sólamente que explicar en qué consistía el rock progresivo, y no era difícil, en los primeros años citando a Pink Floyd o Rush, y luego ya Radiohead y Muse me la pusieron mucho más sencilla. En cambio, cuando ahora viene la misma pregunta, me hago todo un lío.

Wild Opera (1996), el tercer disco de No-man, considerando discografía oficial (es difícil numerar los álbumes de no-man después de todo, ¿acaso Speak y Heaven Taste no son acaso fantásticos discos más allá de no formar parte contar con el estatus de catálogo oficial?), es un trabajo único.

Cierto, cada disco de no-man es un poco único, todos guardan su distancia, pero tienen también claros elementos que los unen, siendo esto especialmente claro si descontamos las interferencias comerciales de Loveblows and Lovecries. El art-pop refinado, elaborado, de múltiples capas, paradójicamente con tanta influencia del minimalismo como del rock progresivo (y posteriormente también del post-rock) asociado a letras románticas y melancólicas sin caer en facilismo que caracterizado la música del duo tiende a desaparecer en Wild Opera.

Aquí Tim Bowness y Steven Wilson deciden tomar un camino que luego no volverían a tomar, o al menos no para un disco completo. Para No-man el giro incluyó composiciones sin pulir, elementos del trip hop (ese trip hop que ellos mismos habían hecho en Colours, antes que estallara el boom de Massive Attack y Portishead), sesiones de Robert Fripp, Mel Collins e Ian Carr, canciones muchas veces escritas y grabadas en menos de una hora, y muy especialmente un acercamiento completamente distinto de Bowness al momento de escribir las letras. Cada canción es una historia, historias incompletas con personajes perdidos, mediocres, desenfocados, vidas en ruinas, o próximas a serlo. Momento cumbre en ello es Sinister Jazz:

“..feeling alone,

and never going home.

Robert lost the plot in greece.

the jesus army stole your niece.

but all you ever do is eat

(you’re never going home)

(you’re never going home)”

Nunca sabes realmente lo que está ocurriendo, pero puedes intuir que no es nada bueno. Esos elementos de oscuridad y la fragmentación de la información de las historias de Bowness se transformarían con el tiempo en un elemento de inspiración al momento de crear mis propios relatos breves publicados en este sitio.

En 1997 se edita el mini álbum Dry Cleaning Ray, incluyendo temas adicionales de las mismas sesiones, junto a remezclas y reconstrucciones de algunos de los temas, en ocasiones hasta hacerlos irreconocibles, complementando y aumentando el mundo creado por Bowness y Wilson. Destaca especialmente Evelyn (the song of slurs), versión para el tema de Serge Gainsbourg, y Sicknote, tema extendido que de cierta forma muestra parte del camino que No-Man seguiría en el futuro.

Por momentos así en las carreras de los músicos tengo una predilección muy especial. Momentos quizás no perfectos, pero momentos de riesgo, de aventura. Ahí están discos fantásticos como Six de Mansun, 10,000 Hz Legend de Air u Outside de David Bowie. A veces generan la obra cumbre, en otras ocasiones generan opiniones más bien polarizadas. En el caso de No-man, probablemente sus mejores trabajos vendrían después, con discos como Returning Jesus o Together We’re Stranger. El dúo no volvería, ni musical ni líricamente a momentos como los de Wild Opera/Dry Cleaning Ray, salvo acercamientos puntuales en temas como Darkroom en el EP All that you are, o en Pigeon Drummer de Schoolyard Ghosts, pero probablemente fue un paso necesario dentro de su contante progresión sonora.

En 2010, y tras un período prolongado fuera de catálogo, se reedita Wild Opera en una versión remasterizada por Steven Wilson en formato doble, acompañado de Dry Cleaning Ray y seis temas adicionales, incluyendo temas inéditos y versiones alternativas, en una cuidada edición con un nuevo arte de carátula a cargo de Carl Glover y detalladas notas escritas especialmente para la reedición. Una buena ocasión para visitar un momento único de una banda única.

]]> http://jorgelopez.cl/2010/06/16/525/feed/ 0 Jorge López http://jorgelopez.cl/2009/10/12/la-desooorden-ciudad-de-papel/ http://jorgelopez.cl/2009/10/12/la-desooorden-ciudad-de-papel/#comments Mon, 12 Oct 2009 23:38:37 +0000 Jorge López http://jorgelopez.cl/?p=410 ]]> El cuarto trabajo de La Desooorden, nuevamente dentro del formato conceptual, responde a una situación de contingencia nacional. Ciudad de Papel relata el conflicto vivido entre Celulosa Arauco y la comunidad de Valdivia, gatillado por el hallazgo, en octubre de 2004, de cientos de cisnes muertos en el Santuario del Río Cruces debido a la contaminación producida por la industria de celulosa, y la forma en que ello detonó un gran movimiento ciudadano que mostró la tardía y ambigua reacción del gobierno en ese tema. Ciudad de Papel es además la banda sonora del documental homónimo estrenado en el 14° Festival de Cine de Valdivia 2007.

La propuesta de La Desooorden resulta francamente cautivadora, y ello es visible desde el empaque de lujo. En Ciudad de Papel la banda, a la vez que mantiene elementos propios de su música, expande la paleta sonora. La mezcla estilística es notable, y si en el pasado mostraron influencias del jazz, el folclor y el progresivo, ahora sumamos una aproximación bastante más intensa hacia el rock, que en sus momentos más densos los asemeja a Tool. A nivel estructural también hay cambios, y muchos de los temas del disco se acercan al formato canción, si bien éste es cruzado por variados segmentos instrumentales destacando notables solos de guitarra y saxo a lo largo del trabajo. Así, mientras La Isla de los Muertos se trataba de un trabajo mucho más unitario, aquí los temas también funcionan como entidades aisladas. El estilo vocal también cambia, siendo menos frecuente el canto recitativo y teatral.

Sonidos algo medio-orientales son los que abren el disco en Fumarolas del Alma, tema que se desarrolla en forma dramática, recordando a los mejores momentos musicales de las obras de Cirque du Soleil. Incluye el notable coro: “No le preguntes al agua/cuanta sed tiene el hombre”, que resume en forma brillante el concepto del disco. El tema homónimo muestra a la banda alcanzando una intensidad que previamente era sólo insinuada, mientras que a la vez se mezcla con sonidos de trutrucas, kultrunes, un coro sinfónico y múltiples percusiones étnicas, en una forma absolutamente única.

Tras El llamado del Totoral, un instrumental dominado por el trabajo de diversas percusiones, sigue El Gran Acuerdo, que en un estilo jazzero y lúdico recrea las maquinaciones entre Anacleto Angelini y el señor gobernador (“de baratissima conciencia”) para la instalación de la planta de celulosa: “El agua no importa, la gente no importa, salute por el costo del progreso”.

Migraciones Eternas conjuga diestramente la musica y líricas, con una primera sección vocal describiendo el daño de la lluvia ácida, para luego de un final falso lanzarse a una coda que tras un suave comienzo aumenta su intensidad, con una mezcla de sonidos tribales, guitarras afiladas y teatrales voces al unísono describiendo el paso de palabras a acciones de los contrarios a la planta de celulosa. Sin dudas la banda logra generar ambientes notablemente distintos manteniendo a la vez un sonido propio. Eso queda aún más claro con La Voz de los Niños, donde el piano y un coro de niños genera algo semejante a una canción de cuna.

A través de grabaciones de voces de los distintos involucrados nos informamos de la visión de los pobladores de Valdivia. Así, en Acción por los Cisnes, nombre del grupo que inició las protestas en Valdivia, escuchamos a una activista, en un muscular tema jazz-rock. En Tralcao se presentan las comunidades mapuches, mientras la voz recuerda a Pancho Sazo de Congreso y la banda realiza un memorable trabajo percusivo con instrumentos étnicos como la tabla, recordando a Dead Can Dance de Into the Labyrinth y Spiritchaser.

Homínidos es un vibrante instrumental con potentes riffs de guitarra y gran espacio para solos de saxo, tras el que comienza el denso Los Trabajadores, tema que guarda similitudes con Ciudad de Papel, volviendo a aparecer el coro sinfónico. En E-N-E-U-J la guitarra alcanza un dominio absoluto en un tema rockero, rugiente y directo.

Boletos para Ir, tema que remite a lo mejor de Congreso, marca un cierre pausado y delicado para un disco intenso y complejo, y que por lo mismo puede requerir ser oído en repetidas ocasiones para lograr apreciarlo en su totalidad. Sin embargo, no son acaso así los discos que finalmente más apreciamos?

Sin lugar a dudas, uno de los mejores trabajos de 2007.

(publicado originalmente en rock-progresivo.org)

Más información: sitio web oficial de La Desooorden.

La Desoorden desafìa las clasificaciones. Encasillarlos en algún género es un ejercicio no solo complejo, sino que básicamente imposible. Elementos de fusión jazzera, rock progresivo, música étnica, todos ellos se funden para dar con estilo que sólo podría definir como La Desooorden.

En su presentación de casi dos horas hicieron un recorrido por toda su discografía, junto a adelantos de lo que será su nuevo trabajo en estudio. Un concierto redondo, lleno de energía, potencia, emoción. Una banda que puede tanto hacernos bailar como quedar inmóviles en el asiento ante su ataque sonoro.

Esperemos tenerlos pronto una vez más en Santiago y que en esa ocasión la única celebración del día sea el poder ver a La Desooorden.

Galería completa aquí

Más información de La Desooorden en su sitio oficial.

La segunda parte del album es bastante más difícil de digerir y tiende a alejarse de la línea de Stupid Dream. Se inicia con Hatesong, un extenso tema elaborado en torno al efectivo bajo de Colin Edwin. El título se ajusta perfectamiente al clima desarrollado durante sus ocho minutos: partes vocales enojadas y líricas directas, una estridente sección instrumental y un cierre extenso y oscuro. El mellotron tiene un rol bastante más fuerte que en el resto del álbum, acrecentando tensiones desde un segundo plano. Suavemente el sonido de unos pájaros hace de interludio hacia Where Would We Be, un tema sobre el desencanto que se produce al contrastar lo que se quiso ser y lo que se es. Elaborado sobre una simple base acústica, incluye un solo de guitarra disonante que recuerda a Adrian Belew.

Nuevamente vuelven los sonidos de pájaros y nos dejan frente al gran tema del álbum: Russia On Ice. La primera sección vocal, bastante Floydiana, tiene apoyo de un cuarteto de cuerdas (las que son dirigidas con efectividad por Dave Gregory, de XTC) e incluye un bello solo de guitarra. La  segunda parte, en tanto, es un extenso instrumental que podría definirse como la actualización a rock puro de la sección Wire the Drum de Sky Moves Sideways. Asombroso resulta el despliegue, tanto en percusiones como en tambores de Chris Maitland, mientras que los teclados se contraponen a las rugientes guitarras. Hacia el final todo se suaviza, hasta quedar solo los sonidos de los efectos de los teclados de Barbieri, que desembocan en el tema final del disco, Feel So Low, muy simple y suave, con líricas directas, muy personales. Se asemeja bastante a Say it with Flowers de Fish, funcionando bastante bien como cierre.

En 2007 se edita una nueva edición de Lightbulb Sun, con una nueva mezcla stereo y 5.1, e incluyendo 3 temas adicionales como bonos en el formato DVD, destacando especialmente la extensa Buying New Soul y la ambient Cure for Optimism.

Lightbulb Sun resulta ser un disco redondo, sin puntos bajos. El cambio de estilo de Stupid Dream aquí aparece más matizado con las marcas registradas del Porcupine Tree del pasado, y con mayor espacio para los desarrollos instrumentales. Aún así, puede que muchos fans de discos como Up the Downstair aún se sientan algo decepcionados, pero si hay algo que queda claro aquí es que Steven Wilson es capaz de crear melodías sencillamente memorables.

Es cierto, siempre hubo canciones en los discos del grupo, pero nunca cubriendo un disco completo. Es más, el primer tema del disco, Even Less, había sido estrenado en vivo meses antes de la edición del disco como un extenso tema de 15 minutos de duración, pero en la edición final de Stupid Dream apareció reducido a la mitad, con la segunda sección relegada a una cara B justamente por ser demasiado progresiva.

Don’t Hate Me y Tinto Brass contienen los otros atisbos progresivos del disco, el primero siendo un tema con influencia Floydiana, especialmente en su sección instrumental, incluyendo un solo de saxo a cargo de Theo Travis, mientras que la segunda es un instrumental que por momentos parece salido del arsenal de los Ozric Tentacles. Aires lisérgicos también se cuelan por Baby Dream in Cellophane, mientras que las revoluciones suben en Slave Called Shiver, con una pulsante línea de bajo, y en This is no Rehearsal, que alterna secciones acústicas y eléctricas.

Piano Lessons, Stranger by the Minute y Pure Narcotic son, en tanto, puro y delicado pop, con melódicos coros, sin nunca olvidar los arreglos prolijos característicos de la banda. Hacia el final, dos joyas: A Smart Kid, una balada con temática sci-fi con arreglos de cuerdas y un demoledor solo de guitarra que ya quisiera haber tocado David Gilmour, y Stop Swimming, quizás el tema más desoladoramente triste compuesto por Wilson.

En 2005 fue editada una versión revisada de Stupid Dream, con un arte de carátula completamente nuevo, e incluyendo una nueva mezcla stereo y un DVD adicional con el álbum en formato 5.1 y como bonos el asombroso instrumental Ambulance Chasing y la versión íntegra de Even Less, temas que ciertamente merecían su inclusión en la versión final del álbum.

Stupid Dream no es mi disco favorito de Porcupine Tree. Es cierto, no existe un sólo momento débil en todo el trabajo y Steven Wilson da muestras de un cada vez mayor refinamiento en sus composiciones, aprobando la dura tarea de hacer canciones memorables, pero aún así se extraña la veta instrumental que tan buenos frutos les había dado en el pasado. Aún así, y en el contexto global de la carrera de la banda, puede considerarse un paso necesario, además de un excelente punto de entrada a Porcupine Tree para quienes no son afines necesariamente al rock progresivo.

Lo primero que es marcadamente notorio en este álbum es que estamos hablando por vez primera de una banda propiamente tal y no de un proyecto solista con músicos de sesión: si bien la composición es dominada por Steven Wilson (voz, guitarras, samplers, teclados), tanto Richard Barbieri (teclados), como Chris Maitland (batería, segundas voces), y Colin Edwin (Bajo) contribuyen en la composición de un par de temas, y mas importante aún para el oyente: hay un sonido de banda no logrado hasta entonces.

Lo segundo y fundamental es que Signify es sencillamente un trabajo increible. Elegante, seductor, oscuro, delicado e intenso. Su secuenciación además permite sentirlo como un único gran viaje, y como tal merece ser oído íntegramente, y su arte de carátula es una obra de arte por si misma, dando el perfecto marco para emprender este viaje.

El atmosférico introductorio Bornlivedie establece el concepto sobre el que se desarrollará el álbum: Toda persona, en un grado u otro, busca trascender, significar, y durante el álbum se desarrollan variadas formas erróneas de hacerlo, desembocando en el intenso instrumental Signify, una especie de mezcla de YYZ de Rush con Neu!. The Sleep of no Dreaming es en tanto la primera canción propíamente tal, acerca de una vida gobernada por el tedio:

Made a good living
by dying it’s true
As the world in my TV
leaks onto my shoes

El breve interludio ambient Pagan da espacio suficiente antes de la siguiente canción, Waiting (phase 1), de base acústica y que sigue la temática de una vida sin sentido, y por primera vez mostrando el gusto de Wilson por las armonías vocales, a la vez que permite el desarrollo de dramáticos solos de guitarra. Sin descanso continúa Waiting (phase 2), un viaje por variadas atmósferas creadas por teclados y guitarras, sobre un bajo pulsante y sutiles percusiones tribales e incluye un sampleo la potente frase acuñada por Wendy O. Williams: “the brainwashed do not know they are brainwashed”.

Sever, en tanto, muestra un sonido más agresivo y compacto, con un Wilson con cada vez mayor dominio de su registro vocal, y conjugando lo que más adelante será una marca registrada de la banda, composiciones rockeras pero con elaboradas armonías vocales.

A continuación uno de los puntos más altos del disco, la extensa Idiot Prayer, donde Porcupine Tree, tras una atmosférica introducción logra como nunca conjugar la electrónica con el rock progresivo, con secuencias, loops de batería y un bajo repetitivo dando la base para delirantes desarrollos instrumentales, sobre los cuales se incluyen sampleos de “Battle for the Mind”, un disco de propaganda antidrogas de orientación religiosa de mediados de los 60. El efecto logrado es una fuerte crítica a las religiones organizadas.

La calma vuelve con la exquisita suavidad acústica de Every Home is Wired, cuyas líricas hablan de la alienación que puede generar internet. Para este track Wilson sobrepuso múltiples veces su voz durante los coros, dando un efecto asombroso. Una coda instrumental con multiples efectos sonoros conecta a este tema con Intermediate Jesus, instrumental que sigue en la misma línea crítica de Idiot Prayer, aunque musicalmente se trata de una improvisación donde se mezclan guitarra acústica y eléctrica, piano y notables bajo y batería, creando el momento más psicodélico del álbum.

El último interludio, Light Mass Prayers, es el más extenso y más ambient, con efectos vocales y de percusiones procesadas. Con cuatro minutos puede resultar tedioso para algunos, pero personalmente me parece que encaja perfectamente dentro del álbum. Más aún cuando introduce al track final: Dark Matter, que se inicia con suavidad entre guitarra acústica y Hammond y líricas acerca de lo que significa estar en giras, la presión de los medios y la música como producto, y que cierra con uno de los solos de guitarra mas vibrantes que yo haya oído.

Las sesiones de Signify fueron particularmente productivas, lo que se tradujo en dos grabaciones anexas. Por un lado, el disco de improvisaciones Metanoia, que sigue la línea de Intermediate Jesus, y por otro lado Insignificance, que recopila demos, versiones previas y material previamente inédito, inicialmente sólo disponible en una edición limitada a los fans. La reedición 2003 del álbum incluye a Insignificance, en una edición revisada y remasterizada, en un disco adicional, y es un perfecto complemento para Signify, con algunas composiciones memorables descartadas, como las acústicas Smiling not Smiling o Wake as Gun (que posteriormente sería reutilizada para componer Jack the Sax de No-Man), un notable cover de Hallogallo de Neu! que deriva en una versión inicial de Signify, o Dark Origins, que usa la base de Dark Matter para generar un oscuro y atmosférico tema, entre otros.

Signify es en resumidas cuentas una de las obras maestras de la banda, y quizás uno de los momentos más destacados del catálogo puercoespín, pues salvo algunos momentos en los siguientes trabajos, el grupo no volvería al estilo desarrollado aquí. Eso hace a Signify un disco con una personalidad única, y que presenta el momento cúlmine de los primeros años de  carrera de Porcupine Tree, el momento en que lograron crear una de las mejores mezclas de rock, ambient y electrónica que se hayan compuesto.

Más aún, el track homónimo está dividido en dos partes, a su vez subdivididas y abren y cierran el disco a la manera en que Shine on You Crazy Diamond ya lo había hecho 20 años antes. Aún más, la guitarra de Steven Wilson por momentos recuerda bastante el estilo de David Gilmour, el trabajo lírico puede ser tan depresivo como el de Roger Waters y en la música también se incluye sampleos de voces.

Sin embargo, existen notables diferencias. Si bien la primera parte de The Sky.. contiene un Floydiano comienzo, la sección central incluye una brillante e hipnótica mezcla de rock y electrónica, y ciertamente la base musical de PT dista del blues de Pink Floyd.

Se trata de música creada por nuevas generaciones y dirigida a oídos abiertos a nuevos sonidos. Dislocated Day, construida en base a un sampleo de Aida de Miles Davis, contiene un sentido de urgencia que la hace parecer más breve de lo que es. The Moon Touches your Shoulder es en tanto el tema más Floydiano, con una partida con rasgueos acústicos y un final intenso, contundente.

Para el cierre la segunda sección del track homónimo, un extenso instrumental, más atmosférico que la primera, incluyendo relajadas vocalizaciones de Suzanne Barbieri para acrecentar el sentido Floydiano, pero también un disonante solo de guitarra en que Wilson muestra su gusto por King Crimson.

Si bien la música continúa siendo compuesta por completo por Steven Wilson, por primera vez la música es grabada por la que sería la formación de Porcupine Tree por los próximos cuatro discos: Chris Maitland en batería, Colin Edwin en bajo, y Richard Barbieri en teclados. Esto brinda nuevas cualidades al sonido del grupo, destacando especialmente el textural trabajo de Barbieri y la destreza rítmica de Maitland.

La edición inglesa del disco sin embargo, cometió un gran error. Dos composiciones quedaron fuera y fueron editadas como en el EP Moonloop. Si bien la edición americana ya había resuelto la omisión, la reedición de 2004 en formato de disco doble deja en claro la importancia de estos temas, incluyendo la versión completa de Moonloop, la primera composición grupal de la banda, consistente en una extensa y atmosférica improvisación seguida de una demoledora coda, y de Starsdie, probablemente la mejor canción de ese período de la banda, de base acústica, sencilla y delicada. Se incluye además una versión alternativa de The Sky Moves Sideways, esta vez como un único track de 35 minutos, aún sin las líricas definitivas y aún buscando el mejor arreglo, pero sin radicales diferencias respecto a la versión final.

Probablemente el mayor pecado de este álbum sea ser el trabajo más derivativo de la carrera de Porcupine Tree. Pese a ello, es un disco potente, y que continúa mostrando que aún se podía esperar mucho de este ahora cuarteto.

En muchos aspectos, Up the Downstair (1993) puede categorizarse como el inicio de la historia de Porcupine Tree. Es el primer trabajo creado especificamente como un álbum, y también el primero en que participan, si bien sucintamente, los futuros miembros oficiales, Colin Edwin (bajo) y Richard Barbieri (teclados). Aún así, se trata aún básicamente un proyecto en solitario de Steven Wilson.

Sin lugar a dudas Up the Downstair es uno de mis discos favoritos del catálogo puercoespín. Aquí ya florece el estilo único de Porcupine Tree de hacer rock progresivo, mirando hacia adelante en vez de regresando al pasado. Es así como por ejemplo el track homónimo al mismo tiempo hace una reverencia a Popol Vuh y se influencia de la electrónica con un bajo y percusión pulsantes, mientras la distante voz de Susan Barbieri y los estallidos de la guitarra de Wilson logran que el interés en este extenso tema nunca se agote, hasta llegar al intenso clímax final.

Como pocas veces Porcupine Tree balancea las composiciones cantadas y las instrumentales, y la voz de Wilson comienza a sonar más segura de si misma en temas como Synesthesia o el potente Always Never, que incluye una intensa sección instrumental.

La segunda parte del disco puede considerarse una sola extensa composición, con sus temas fluyendo uno en el otro. La partida la da Not Beautiful Anymore, un enérgico y breve tema incluyendo los sampleos de una mujer haciendo confesiones a modo de líricas, que se continúa tras un breve interludio instrumental con Small Fish, un tema vocal con delicados punteos de guitarra y un apasionado solo de guitarra que a su vez desemboca en Burning Sky, una bestia musical de 11 minutos donde se conjugan momentos atmosféricos así como las influencias del krautrock de guitarras reiterativas de Ash Ra Tempel, fundiéndose con un sentido épico con desarrollo de  in crescendos para quitar el aliento, para terminar suavemente en Fadeaway, una balada llena de emoción que siempre me ha recordado el modo en que Wind & Wuthering de Genesis cerraba con Afterglow.

En 2005 Up the Downstair fue reeditado y para ello se decidió incluir el EP Staircase Infinities de 1994 en un segundo disco. Dicho EP incluye material adicional, considerado inicialmente para una edición doble de Up the Downstair, junto con algunos temas compuestos inmediatamente después. Se trata de un trabajo que explora con mayor detalle la veta ambient de Wilson, con trabajos en su mayoría atmosféricos, interesantes sin ser particularmente destacables y que por momentos, como en Rainy Taxi, recuerdan a Pink Floyd de A Saucerful of Secrets. Así, es absolutamente comprensible su exclusión del trabajo mayor, pero por si solos logran funcionar como un todo, convirtiendose en un atractivo anexo. De los 5 temas destaca el más extenso, Yellow Hedgerow Dreamscape, con un bajo inquietante y que progresivamente toma mayor velocidad a medida que Wilson hace de las suyas con la guitarra.

Más importante aún, la reedición solucionó el mayor problema del álbum: la percusión electrónica creada por Wilson, reemplazándola por la diestra batería de Gavin Harrison. La remezcla del álbum además lo dejó en igualdad de condiciones con la pulcra producción de los siguientes trabajos del grupo.

Up the Downstair es en resumidas cuentas un trabajo redondo, donde cada pieza calza perfectamente en su lugar, y que muestra con claridad la visión de PT como un proyecto que desafía las clasificaciones en pos de un estilo único.